Crítica: Três Anúncios para um Crime (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)

Três Anúncios para um Crime (Three Billboards Outside Ebbing, Missouri)

Direção: Martin McDonagh

Elenco: Frances McDormand, Woody Harrelson, Sam Rockwell, Caleb Landry Jones, Lucas Hedges, John Hawkes, Amanda Warren, Abbie Cornish, Zeljko Ivanek e Peter Dinklage

Sempre ao discutir sobre um filme devemos lembrar: sua análise deve ser feita pela sua narrativa, sem necessariamente nos atrelarmos ao assunto principal em si (isso não quer dizer que não seja importante, claro). Mas quando uma obra apresenta uma abordagem e estilo particulares vistos em outros filmes, é comum que a comparação possa prejudicar o longa – o que não é caso aqui.

Mostrando total habilidade ao conduzir sua narrativa influenciada, por exemplo, pelos irmãos Coen, o diretor Martin McDonagh torna seu Três Anúncios para um Crime um faroeste moderno (como os próprios Coen fizerem com Onde os Fracos não Têm Vez em 2007, e assim como David Mackenzie fez com o excelente A Qualquer Custo em 2017). Entretanto, até porque seria um exercício inútil tentar desassociar o filme aos irmãos diretores, é claro que Três Anúncios para um Crime têm em Fargo (1996) uma fonte de inspiração. Não somente (óbvio) pela hipnotizante presença de Frances McDormand, como o tradicional cenário de indivíduos comuns e pitorescos, ocorrido dentro de uma pequena cidade americana servindo como local também para uma análise social permeada com humor negro e doses de violência.

Contudo, além de mostrar uma habilidade para equilibrar o tal humor e o drama de maneira eficiente (algo sempre difícil), a direção vai um pouco além em sua abordagem ao não tornar tal elemento como único chamariz para o filme e consegue caminhar de maneira independente e com vida própria. Fora que além de situações e indivíduos pitorescos, McDonagh trabalha de maneira segura os arcos dramáticos de personagens errantes tentando se redimir que, misturados à base já montada, não permite que chamemos o filme somente de uma “comédia de erros” como o próprio Fargo foi intitulado.

Vivendo praticamente para solucionar o caso do assassinato da filha na pequena cidade de Ebbing, Missouri, Mildred (McDormand) é uma mulher desacreditada entrando em conflito com as autoridades locais, a partir do momento que publica três outdoors questionando o delegado Willoughby (Harrelson) sobre a investigação que até o momento não encontrou sequer algum suspeito. Sua ousadia não somente será o pontapé inicial do conflito como também ponto de partida para a ação influenciando a rotina da cidade. Portanto, é interessante que, mesmo que a investigação fique por momentos em segundo plano, a mesma move de maneira única as ações daquelas pessoas sem deixar de criticar, por exemplo, assuntos que fazem parte daquele contexto, como questões raciais, direitos civis, abusos de poder por parte das autoridades e até pedofilia na igreja.

Mildred é uma mulher direta, às vezes fria, sem medo e sempre franca nas suas respostas cheias de sarcasmos e ironia, sofrendo com a inoperância da polícia pelo fato do crime talvez nunca ser solucionado – por falta de provas ou uma linha de investigação. E auxiliada pela atuação e trejeitos de McDormand inspiradíssima, Mildred assume uma aura amedrontadora e cínica, não fazendo a menor cerimônia, por exemplo, de confrontar as autoridades locais como na cena em que adentra a delegacia como se fosse uma personagem saída de um… faroeste (com uma trilha típica, diga-se de passagem). Aliás, dentro do gênero, podemos incluir a atuação da atriz na prateleira junto com outros personagens marcantes como Anton Chigurh de Javier Barden de Onde os Fracos… e até mesmo o delegado interpretado por Jeff Bridges em A Qualquer Custo.

E, assim como McDormand, Sam Rockwell se destaca com seu perigoso Dixon. O ator, que já recebeu elogios pela sua grande atuação no ótimo Lunar (2009) em que atuou praticamente sozinho, demonstra novamente sua capacidade ao apresentar um personagem multifacetado. Mesmo tendo uma convivência de amor e ódio no convívio quase infantil pela dependência da Momma Dixon (Martin), Dixon se torna imprevisível durante seu arco de redenção sem necessariamente tornar-se vítima de uma hora para outra – até porque, mesmo a direção o tratando como alguém por vezes limitado intelectualmente, ele é um violento racista. Assim, Woody Harrelson é também mais um destes indivíduos que, dentro do sistema permeado pela violência, aja ao mesmo tempo como um indivíduo até certo ponto ameaçador, mas ainda se permitindo agir com certa nobreza dentro da culpa pela responsabilidade da não solução do assassinato da filha de Mildred.

Ademais, sem apresentar um vilão específico (ou mocinho), o roteiro do próprio diretor é ágil ao entregar o cenário e os ambientes externos e internos da protagonista já estabelecida logo em seu início, dando tempo suficiente para ir acrescentado e criando os arcos dramáticos identificáveis dentro da história. Aliás, a dinâmica destes personagens é um dos grandes momentos da obra por serem conflitos cheios de resignação, ironia, raiva e perdão, como podemos comprovar durante um diálogo entre Mildred e Robbie (interpretado por Lucas Hedges, que mesmo como pouco tempo de tela, ratifica o grande ator visto em Manchester a Beira-Mar) onde o filho, inconformado com o comportamento destrutivo da mãe diz: “Você tem que parar de agir como uma puta velha” para imediatamente ela responder com sua ironia habitual: “Não sou tão velha”. E claro, o relacionamento de Mildred e Willoughby transitando de maneira fluída entre a raiva e respeito durante o filme, uma vez que por mais que ele entenda a dor de Mildred, ele sabe que pouco se pode fazer.

Mas o humor por vezes sombrio, assim como as obras dos Coen, sempre se faz presente sem necessariamente se tornar algo explícito ou que desequilibre a obra e que ainda consiga expor as dores dos envolvidos inserindo ainda momentos de violência gerando um preocupação com seu destinos. Reparem, por exemplo, na sequência do encontro de Mildred e seu ex-marido Charlie interpretado por John Hawkes. A cena é construída inicialmente como uma gag física delicada entre Mildred e Robbie envolvendo cereais passando por momentos mais cômicos envolvendo a jovem – e sem noção – namorada de Charlie, culminando no choro de dor de Mildred com uma faca nas mãos, amparada pelo próprio Charlie, ou seja, numa sequencia a direção mostrou total domínio da narrativa ao trabalhar três frentes distintas. Ou até mesmo numa pequena cena podemos comprovar a atenção a estes detalhes que são igualmente eficientes, como na cena em que um personagem, ao ter seu rosto anteriormente marcado pelo fogo, levemente se retrai ao usar um isqueiro para acender o cigarro (um gesto simples, mas funcional).

E a qualidade da direção vai além destes pontos, o que já seria algo elogiável, mas também em detalhes na construção da narrativa que merecem atenção, como, auxiliado pela montagem de Jon Gregory, acaba rendendo bons momentos impactantes como na cena da leitura de uma carta redigida por Willoughby, alternando sua narração em off com as reações ao seu conteúdo. Assim, como a fotografia de Ben Davis (ultimamente mais focado em filmes baseados em HQs) que pontua de maneira delicada momentos importantes e criando rimas visuais interessantes (até mesmo contextualizadas com o tom do filme), como o fato do vermelho (cobrindo a face de Dixon no início do filme) também cobrir o rosto da mãe do personagem, simbolizando a violência que poderá acontecer (ou aconteceu).

Inclusive, a violência é bem utilizada pela narrativa através, por exemplo, de um ótimo plano sequência com o mesmo Dixon adentrando o escritório de Red Welby (Jones). Ademais, é simbólico que a direção visualize as tais placas quase como um elemento vivo de adoração que inicialmente, ao surgirem destruídas e sem vida, vão sendo transformadas quase num altar de fogo, dor e catalisadoras para a perda de Mildred. Um local de resistência, mas também de uma tortura auto infligida, não somente para ela, como para o filho devido à localização das placas estarem no único acesso à sua casa. E não sendo coincidência também que, durante dois importantes e decisivos diálogos de Mildred (primeiro com Willoughby e depois com Dixon) tais placas sejam vistas em segundo plano, simbolizando seu domínio e onipresença.

Finalizando de maneira inteligente, ao mesmo tempo respeitando a lógica apresentada durante seus atos (e o espectador em si), Três Anúncios para um Crime é competente ao mostrar que o caminho mais fácil para uma redenção de suas dores nem sempre é mais rápido, até porque tais indivíduos ainda estão sujeitos a cometerem graves erros. E sabe-se lá se irão se redimir.

Nota 5/5

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Rodrigo Rodrigues

Eu gosto de Cinema e todas suas vertentes! Mas não aceito que tentem rescrever a história ou acharem que Cinema começou nos anos 2000! De resto ainda tentando descobrir o que estou fazendo aqui!

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