Análise: Um Dia de Fúria (Falling Down)

Direção: Joel Schumacher

Elenco: Michael Douglas, Robert Duvall, Barbara Hershey, Rachel Ticotin, Michael Paul Chan, Lois Smith, Tuesday Weld e Frederic Forrest

Fazendo uma pequena análise, algo de positivo que o cinema pode trazer é o fato de uma obra se tornar um registro de uma época; e ainda mais importante é notar como as discussões acerca do filme se tornam contemporâneas ao revisitá-lo. Em contrapartida, muitos filmes – e diretores – ficam marcados injustamente por algum elemento pejorativo sem que o grande público reconheça a verdadeira face do artista de  maneira exponencial e da obra em si.

Falo isso, primeiramente, pois Joel Schumacher (falecido em 2020) foi um diretor subestimado nos últimos anos, devido (quase que exclusivamente) à desastrosa decisão de colorir Gotham City no malfadado Batman Eternamente (1995) e na tragédia que se tornou Batman & Robin (1997); culminando em desculpas aos fãs do personagem e ao fato de sua carreira ter sido “jogada no lixo”- como o próprio já disse em entrevistas. O diretor de Garotos Perdidos (1987), O Cliente (1994), Tempo de Matar (1996), 8 mm (1999), Por um fio (2002) e outros, teve muito trabalho para recuperar sua carreira mesmo tendo dirigido um dos mais emblemáticos filmes dos anos 90, Um dia de Fúria (1993), estrelado por Michael Douglas e Robert Duvall.

Mais atual do que nunca

Quanto à imagem que o filme traz, ao revê-lo, é o fato de soar cada vez mais atual por apresentar uma análise comum diante de um aspecto peculiar de uma sociedade com violenta: o dito “cidadão de bem”, que é uma fachada para a pessoa expor sua raiva, preconceito, frustração ou psicopatia (elementos bem inerentes ao momento real em que vivemos). O diretor vai além e procura apresentar, mesmo que intrinsicamente, o que pode levar ao surgimento dessa “espécie”; entretanto, nem tudo é esse preto no branco. Assim, o filme se torna ainda mais expressivo ao expor um complexo sentimento da sociedade e seus diversos indivíduos (para o bem ou para o mal).

As metáforas narrativas e visuais

Com a narrativa se passando durante o período de um dia, os elogios para Schumacher já são merecidos logo na abertura. Ao começar com um plano fechado no protagonista e posteriormente percorrendo a câmera entre os carros parados em um pesado engarrafamento, a direção traz na abertura seu resumo social dos Estados Unidos. Elementos engrandecidos pela fotografia que exalta brilhantemente a atmosfera sufocante em suas palhetas com as cores quentes de um inferno social. Tal simbolismo é reforçado, claro, pela bandeira americana, mas principalmente pelo conjunto que compõe aquele cenário; seja através de um simples bicho de pelúcia com face raivosa colada no vidro de um carro (contrariando sua natureza pacífica), seja um executivo esbravejando em seu automóvel de luxo com acesso à celular, seja um plano de uma mulher se maquiando como um templo de luxúria ou seja com estudantes tediosos fazendo algazarra no ônibus escolar (como se vissem o próprio futuro comprometido diante daquele ambiente).

Agora imagine tudo isso misturado numa sociedade que prega o capitalismo sem controle e ao mesmo tempo fundamentalista? Portanto, os adesivos dos carros pregando “liberdade financeira” e “Ele morreu por nós” são pitadas para uma perigosa sopa de ingredientes, que mostra um sistema cruel que o filme faz questão de destacar, por exemplo, através de um homem negro protestando diante de um banco por não ser “economicamente viável” para a instituição financeira.

O protagonista

As motivações do personagem de Michael Douglas (nos créditos chamado apenas como D-Fens, em uma alusão clara a uma lógica governamental) vem principalmente de como o bom roteiro de Ebbe Roe Smith trabalha tais gatilhos como ponto forte da tal identificação com o protagonista; lembrando que identificação para com um personagem passa longe de concordarmos com suas ações, mas sim compreende o fato de entendermos suas motivações e também, às vezes, nos vermos ali representados. Dito isso, Michael Douglas tem uma das suas melhores atuações ao trazer momentos de empatia por se indignar furiosamente com as falhas da sociedade e ao mesmo tempo apresentar-se contraditoriamente amigável devido ao desejo de redenção junto à esposa e filha; repare, por exemplo, como no momento que mantém uma família como reféns (repetindo, reféns!) ele olha para a criança e pais como um modelo de idealização que ele próprio jamais terá – e talvez nem admita isso devido ao medo causado à esposa.

Soando indiferente com o próximo (como visto na cena do tiroteio, quando ele caminha insensivelmente entre os feridos), D-Fens (leia-se governo) vê o imigrante como inimigo; ok, alguns irão dizer que esses mesmos imigrantes tentaram assaltá-lo e sua resposta – como justiceiro – é “justificável”. Mas será que essas mesmas pessoas concordarão que o mesmo personagem destrua uma loja de outro imigrante e ainda o rebaixe dizendo ser uma escória do mundo ajudado pelos EUA? Inclusive, é interessante que o protagonista, ao ser questionado sobre o que seria essa ajuda, ele simplesmente não sabe dizer; seria como se questionássemos atualmente alguém (um negacionista, por exemplo) que não possui provas sobre seus argumentos – normalmente tendo como fonte as fake news.

A violência que “condenamos, mas apoiamos”

Ou seja, é bem vindo que o filme manipule tais questões ao trazer o personagem como alguém aparentemente inconformado, mas ao mesmo tempo jogando certo fascismo na cara de todos e o público concordando com isso; muitas vezes sem darem conta, nesse espelho em que o filme se torna, em algo parecido com o que Michael Haneke fez em Violência Gratuita. Claro que nos revoltamos com um fila de um banco com caixas vazios e pessoas desempregadas, obras públicas que nunca acabam, preços abusivos e espaços públicos mal aproveitados; todavia, há uma diferença enorme entre você se irritar com isso e você pegar um lança míssil e destruir tudo o que encontrar pela frente.

Mas antes que possa ser acusado de concordar minimamente com as ações do personagem principal, é importante citar que D-Fens é o típico indivíduo que permeia a sociedade ocidental: homem branco, pai de família violento, racista e que usa “meios patrióticos” para justificar sua violência ao mesmo tempo em que culpa o sistema com teorias conspiratórias sobre… o comunismo – não sou eu que estou inventando, está no filme! Paralelos com nossa sociedade atual não são coincidências. Uma sociedade que exalta duelos e violência através e um inimigo invisível com base em teorias absurdas e sem se dar conta da sua própria negação patológica (não duvido absolutamente nada que aquele personagem, hoje, apoiasse o grupo que invadiu o capitólio americano defendendo as ideias de Trump, por exemplo).

O antagonista

À contrapartida, mas servindo quase como outro lado da mesma face, Robert Duvall compõe seu Detetive Prendergast de maneira melancolicamente doce entre um policial honesto prestes a se aposentar com o peso de não ser mais útil, mas cuja vida jamais trouxe algum tipo recompensa pelo seu esforço ou dor. Se D-Fens jamais consegue controlar seus impulsos sociopatas, Prendergast traz certa aura noir por servir como um para-raios ao seu redor e ponto de equilíbrio fundamental na narrativa; principalmente pela sua perda no passado culminado na saúde mental debilitada da mulher (vivida pela veterana Tuesday West).

Os dois pontos-chave

Portanto, e retornando à ideia do primeiro parágrafo, são duas sequências que marcam o filme de maneira quase singular diante do imaginário do público e denotam a psicopatia do protagonista de maneira óbvia. A primeira, claro, é a que se passa em uma lanchonete, cuja refeição negada devido ao horário, se torna estopim para a ameaça a outros clientes. E a segunda se passa em uma loja de armas (mais explícito, impossível) em que o proprietário (interpretado por Frederic Forrest) é um nazifascista que acaba sentindo afinidade pelo protagonista; mas claro que inicialmente esse reconhecimento é negado, e há um estado de não aceitação em reconhecer sua maneira de agir e a personalidade que tende sempre em assumir. Tanto que tal cena é um batismo para o personagem abandonar quaisquer resquícios de civilidade, de forma irreversível, para seguir na sua “caçada” (não sendo à toa que é o ultimo momento em que visualizamos o personagem vestido de camisa e gravata para assumir um uniforme militar e completar sua transição).

Conclusão

Finalizando de maneira mais complexa que possa parecer, com pitadas de faroeste, onde a fotografia cria um ambiente de contraste com a sequência inicial (sai o ambiente infernal e sufocante e entra o mar com “redenção”), D-Fens não é apenas uma personificação de um sentimento perigoso (como disse anteriormente, jogado na face do público, canalizado através dos personagens do cotidiano), mas também simboliza um estado político e social. Até porque ao vê-lo dizer “Eu tenho muitas armas” ou “Fiz tudo que eles mandaram”, nos damos conta da onipresença da ideologia que descarta indivíduos como ele para, no dia seguinte, “usar” outros parecidos e continuar sua “cruzada”.

O mais grave de tudo é que em 2021 esses indivíduos estão mais numerosos e confiantes que nunca!

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Rodrigo Rodrigues

Eu gosto de Cinema e todas suas vertentes! Mas não aceito que tentem rescrever a história ou acharem que Cinema começou nos anos 2000! De resto ainda tentando descobrir o que estou fazendo aqui!

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